Пристрій театру - давньогрецький театр
Необхідно сказати про архітектуру давньогрецького театру, тому що вона теж дуже вплинула на подальшу архітектуру театрів.
Спочатку місце для вистав влаштовувалося вкрай просто: хор із своїми співами і танцями виступав на круглій утрамбованої майданчику, навколо якої і збиралися глядачі. Але в міру того, як зростало значення театрального мистецтва в суспільному і культурному житті Греції і в міру ускладнення драми виникла необхідність в удосконалення. Горбистий ландшафт Греції підказав найбільше раціональний устрій сценічної площадки і глядацьких місць: оркестр стала розташовуватися біля підніжжя пагорба, а глядачі розміщувалися по схилу.
Всі давньогрецькі театри були відкритими і вміщували величезна кількість глядачів. Афінський театр Діоніса, наприклад, вміщував до 17 тисяч осіб, театр в Епідаврі до 10 тисяч.
Розмір театру визначався діаметром орхестри (від 11 до 30 м). Скена розташовувалася по дотичній до окружності орхестри. Передня стіна скени проскеній, звичайно мав вигляд колонади, зображував фасад храму або палацу. До скене примикали дві бічні прибудови, які називалися параскеніями. Параскенії служили місцем для зберігання декорацій та іншого театрального майна.
Між скеной і місцями для глядачів, які займали дещо більше половини круга, знаходилися проходи-пароди, через які в театр до початку спектаклю входили глядачі, а потім вступали на орхестру хор і актори.
Простота сценічного устаткування була обумовлена не слабким рівнем розвитку античної техніки. У театрі класичної пори увага глядачів зосереджувалась на розвитку дії, на долю героїв, а не на зовнішніх ефектах.
Планування грецького театру забезпечувала гарну чутність. Крім того, в деяких театрах для посилення звуку серед глядацьких місць розміщалися резонуючі судини. Завіси в давньогрецькому театрі не було, хоча можливо, що в деяких п'єсах якісь частини проскенія тимчасово закривалися від глядачів.
Також хочу врахувати, як було все влаштовано на самій сцені, де відбувалася дія. Давним - давно маленький навіс, за яким соліст хору міняв костюми, перетворився в задній план сцени. У ньому було троє дверей, і в залежності від того, з якої з них з'являвся актор, випливало, що він прийшов з ближнього будинку, з міста чи здалеку. Мальовані декорації робили гру акторів більш виразною, і їх можна було змінювати. Були винайдені деякі пристосування: висока платформа, на якій бог міг з'явитися ширяє в повітрі, спеціальні канати, за допомогою яких він міг зійти з небес на землю. Була навіть повертається платформа, тут могли показувати події, що відбувалися всередині приміщення. Так показували поява Клітемнестри з закривавленим зброєю в руці, що стоїть над мертвим тілом свого чоловіка, короля Агамемнона.
Актори, маски і костюми
Завдяки тісному зв'язку грецького театру з культом Діоніса актори в Греції великою пошаною і займали високе суспільне становище. Актором міг бути тільки вільнонароджений. Вони, як і драматурги, могли брати діяльну участь в житті Греції. Їх могли обирати на вищі державні посади в Афінах і відправляти в якості послів до інших держав. Переможцями на драматичних змаганнях спочатку визнавалися тільки хорег і драматург. Але починаючи з другої половини V ст. до н.е. в театральних змаганнях брали участь і протагоністи. У грецькій драмі число акторів не перевищувало трьох чоловік, таким чином одному і тому ж актору в перебігу п'єси доводилося грати кілька ролей. Якщо в п'єсах були німі ролі, їх грали статисти.
Жіночі ролі завжди виконувалися чоловіками. Трагічні і комедійні актори повинні були не тільки добре декламувати вірші, але і володіти вокальною майстерністю, так як в найбільш патетичних місцях драми актори виконували арії. Шляхом постійних вправ грецькі актори виробляли в себе силу, звучність і виразність голосу, бездоганність дикції і доводили до великої досконалості мистецтва співу. Але крім цього, грецький актор повинен був володіти мистецтвом танцю і взагалі мистецтвом руху в найширшому сенсі цього слова. Тому грецькому актору необхідно було багато працювати над гнучкістю і виразністю тіла.
Актори грецької драми грали в масках. У кожного персонажа була своя маска, вони були розфарбовані яскравими фарбами і добре розрізняється здалеку, так що з першого погляду було зрозуміло, яку роль відіграє виконавець. Ймовірно, в ті часи сцена не висвітлювалася, як зараз, і з далеких рядів нелегко було розгледіти вираз обличчя актора. Маски вирізали і розфарбовували з особливою ретельністю, щоб відобразити головні риси персонажа, якого вони належали. У них було передбачено отвір для рота актора, щоб його мова була чутна, а очі були у вигляді вузьких щілин або прозорими.
Маски проникли в грецький театр внаслідок відвічного зв'язку останнього з культом Діоніса. Жрець, що зображав божество, завжди виступав у масці. Однак в театрі класичного періоду маски вже не мали культового значення. Зате вона відповідала задачам грецького театру створювати великі узагальнені образи. «Так, наприклад, характер або сьогохвилинне настрій дійової особи визначався маскою, яку надягав на обличчя актор: хохочущая, скорботна, умиротворена. Вони змінювалися щоразу, як тільки виконавець переходив відповідно від веселощів до смутку, від жалю до покійного настрою. Крім того, певне значення мало і забарвлення маски: наприклад, по багряному її кольору глядачі впізнавали дратівливу людину, по рудому - хитрого і підступного. »Маски робилися з дерева або полотна, в останньому випадку полотно натягалося на каркас, покривалося гіпсом і розфарбовувати. Маски закривали не тільки обличчя, але всю голову, так що зачіска була укріплена на масці, до якої в разі потреби прикріплювалася так, же борода. У трагічної маски зазвичай робили виступ над лобом, щоб збільшити зріст актора. У стародавній комедії більша частина масок повинна викликати сміх, звідси їх карикатурний і гротесковий характер. Крім вигаданих персонажів, поети стародавньої комедії виводили на сцену і своїх сучасників. Маска в таких випадках була зазвичай шаржованим портретом.
Костюм трагічних акторів був деяким видозміною пишного одягу, який носили жерці Діоніса під час виконання релігійних церемоній. Театральний хітон (одяг з лляної тканини) мав довгі рукави і спускався до п'ят. Плащі були в основному двох видів: гілматій (широкий плащ, що розташовувався складками навколо тіла) і хламіда (короткий плащ із застібкою на плечі). Окремі персонажі носили спеціальний одяг. На театральних хітонах і плащах вишивалися різні, нерідко складні малюнки - квіти, пальми, зірки, спіралі, арабески, а також фігури людей і тварин. Колір на одязі мав теж певне значення: ролі щасливців виконувалися в одіянні з жовтою або червоною смугою, а сині або зелені смуги відзначали невдах. Взуття трагічного актора називалася котурни (черевики з високими халявами). Сценічні котурни мали товсті, що складаються з декількох шарів підошви, завдяки чому збільшувався зріст актора. Щоб надати своїй фігурі ще більшої величності, трагічні актори закріплювали під одягом спеціальні підкладки або невеликі подушки, зберігаючи при цьому природні пропорції тіла. У комедії вживання подушок і підкладок, навпаки, було прагненням порушити нормальні пропорції людського тіла і тим викликати сміх. Жіночі персонажі комедій носили звичайний жіночий костюм, чоловічі персонажі - коротку або плащ.
До наших днів дійшло багато статуеток, що зображають акторів давньогрецької комедії. У маски вирячені очі, потворний ніс, широко відкритий рот, живіт і зад збільшений за допомогою підкладених подушок.
Якщо ми згадаємо, що грецька драма сталася від танцю, і виконання йшло в присутності хору, учасники якого вміли співати і танцювати, ми можемо порівняти все це з сучасним балетом і краще зрозуміти, чому люди так люблять його.
Жартів тут готівка лисими немає,
танців нету Кордаков,
Тут старий, вірші бурмочучи,
Чи не б'є, щоб прикрити
сіль дотепів підмочених.
Чи не кричать тут «Горе, біда!»,
з факелом не бігають.
Вірить в силу пісень своїх
і в себе комедія.
Аристофан. «Хмари» (переклад А.І. Піотровського)
Згодом хорові партії в комедії скорочувалися, і вже в IV ст. до н.е. грецька комедія, як і трагедія, наблизилася за формою і змістом до побутової драмі. Багато слова з грецької театрального лексикону залишилися в сучасних європейських мовах, часто з іншими значеннями. Та й слово «театр» походить від грецького «театрон» - «місце, де збираються, щоб подивитися».
Трагічний хор налічував спочатку 12 чоловік, потім склад його був збільшений до 15. В комедії хор завжди складався з 24 осіб. Учасники хору називалися хоревтами, керівник хору - корифеєм. При виході на орхестру на чолі хору йшов флейтист, який зупинявся на сходинах вівтаря, розташованого в центрі орхестри.
У трагедії хор звичайно зображав людей, близьких головному герою. Так, в «Прометеї Прикованном» Есхіла хор складають Океаниди, дочки Океану, співчуваючі стражданням Прометея і готові розділити його долю.
Комічний хор зображав не тільки людей, а й тварин і казкових істот. Наприклад, в комедії Аристофана «Хмари» хор складається з хмар.
Існує думка, що в трагедії хор гальмує дію і є даниною культової традиції. Однак це не так. Трагедія розвивалася на основі трагічного хору, з якого згодом був виділений один актор. З появою другого і третього актора роль хору слабшає, драматичний конфлікт може відбуватися тепер між героями і без участі хору. Але хор не зникає. Він існує як неодмінний компонент у всіх трагічних поетів класичного періоду, хоча несе не завжди однакове драматичне навантаження. Існування хору в цей період пояснюється тим, що в трагедії він був необхідний як виразник громадської думки. Хор був героєм колективним, його партії і тепер допомагають зрозуміти філософський і людський сенс трагедії в плані розв'язання основного конфлікту.
Театральні вистави відбувалися у дні всенародних свят Діоніса. Всі справи в цей час припинялися. Суди закривалися, боржники звільнялися від сплати боргів на протягом всіх днів свята. Навіть укладених випускали з в'язниць, щоб вони могли взяти участь в загальному святі. Поряд з чоловіками в театрі бували жінки, діти і навіть слуги, домашні раби. На ці вистави люди збиралися зі сходу сонця. Спершу їм було надано право самим займати які завгодно місця, і нерідко справа доходила до бійок, забіяк розтягували найняті для цієї мети служителі. Пізніше щоб усунути безладдя і для покриття витрат на утримання театральних будівель, міські власті ввели видачу вхідних квитків - мідних кружечків, схожих на монети і називалися символами. За Перикла незаможним громадянам видавалися на відвідування театру особливі видовищні гроші.
У театрі були суворо визначені місця для різних груп глядачів. Перший відводили державним особам, жерцям і полководцям. Їм, сидячим в кріслах, квитки були не потрібні. За кріслами, відокремленими проходом, починалися лави-ступені для багатої публіки. Кожен сектор був позначений однією буквою, починаючи з А (альфа). Тією ж буквою і позначали і зворотну сторону квитків-символів із зображенням голови богині Афіни або морди лева, якого вважали охоронцем від усього поганого.
Значно гірше викарбувані символи, без будь-яких зображень і помічені однією і тією ж буквою на обох сторонах, були квитками на наступний ярус. Букви на цих квитках відповідали позначенням секторів для глядачів з середнім достатком.
Існували символи, виготовлені ще грубіше і помічені двома однаковими буквами на лицьовій і зворотній сторонах. Ці квитки призначалися для верхнього ярусу, де лави секторів, на яких розташовувалися бідні глядачі, були позначені чотирма буквами.
Кількість людей, які отримали символи на один раз, не повинно було перевищувати числа місць на лавах. При вході квитки відбиралися. Драматичні вистави в Афінах починались удосвіта і йшли до самого вечора. Глядачі їли і пили в самому театрі. Всі були одягнені в святковий одяг, голови прикрашали вінками. На Великих Дионисиях відбувався величезний збіг городян, до яких приєднувалися ще і жителі інших міст-держав, які приїжджали з усієї Греції.
Жереб визначав порядок представлення п'єс драматургів, що змагаються. Звук труби сповіщав про початок кожної п'єси. Афінська публіка була дуже сприйнятливою і безпосередньою. Якщо п'єса подобалася, глядачі висловлювали схвалення оплесками і криками. Серед глядачів були і підставні особи. Розповідають, що комедіограф Филимон (IV ст. До н.е.) не раз з успіхом використовував їх проти свого супротивника - Менандра. Якщо п'єса не подобалася, глядачі свистіли, клацали язиками, тупотіли ногами. Бували й такі випадки, коли актора проганяли зі сцени каменями і вимагали припинити п'єсу і починати нову. Таким чином, думка мала істотне значення для успіху вистави.
Організація театральних вистав
Винахідник грецький вчений Герон створив перший ляльковий театр. Пересувався цей театр на прихованих від глядачів колесах і являв собою невелике архітектурна споруда - чотири колони із загальним цоколем і архитравом. Ляльки на його сцені, що приводяться в рух складною системою шнурів і зубчатих передач, теж прихованих від очей публіки, відтворювали церемонію святкування на честь Діоніса. Як тільки театр виїжджав на середину міської площі, на його сцені перед фігурою Діоніса спалахував вогонь, на пантеру, що лежить у ніг божества, лилося вино з чаші, а свита починала танцювати під музику. Потім музика і танці припинялися, Діоніс повертався в іншу сторону, полум'я спалахувало на другому жертовнику і вся дія повторювалася спочатку. Після цього подання ляльки зупинялися і вистава закінчувалася. Другий театр, Герона, був дуже малий за розмірами, і все легко переносилося з місця на місце. Він представляв собою невелику колону, на верху, якої знаходився макет театральної сцени, прихованої за дверцятами. Вони відкривалися і закривалися п'ять разів, розділяючи на акти драму про сумне повернення переможців Трої. На крихітній сцені з винятковою майстерністю показувалося, як війни споруджували і спускали на воду парусні кораблі, пливли на них по бурхливому морю і гинули в пучині під миготіння блискавок і гуркіт грому.