монохромне мистецтво
від /греч./ μονόχρωμος - одноколірний (μονό-один, χρωμος-який колір). Об'єкти мистецтва в одному кольорі або відтінках одного кольору.
Період 1950-ті - 1960-і роки
Ів Кляйн пояснює появу монохромного мистецтва, користуючись словом "відчуття" (сприйнятливість) - тим же, яке надихало супрематизм Малевича, заснований на "перевазі чистого відчування". Для Кляйна колір - це "відчувається чистий простір", а "монохромне простір" - це самий прямий шлях "до всього, до безмірної сприйнятливості живопису". Ідеї простору і нескінченності намагалися втілити в своїх пошуках багато художників. Для П'єро Мандзоні "безмежність безумовно монохромна", для Лючіо Фонтана отвори в однотонних полотнах - це розколини, крізь які світло нескінченності проходить в мальовниче простір, для Енріко Кастеллани - "монохромна поверхню", підпорядкована "невизначеному і заснованому на повторах ритму". Вона надає твору "конкретність нескінченного".
Вільно експериментуючи з кольором, монохромний живопис пропонувала безліч варіацій в рішеннях і прийомах. П'єро Мандзоні відмовився від різноманітності матеріалів заради нейтральності Achrom (від /фр./ безбарвного). Чорний і білий у Енріко Кастеллани - це модулі, а Агостіно Боналумі і Франческо Ло Савіо підпорядковують мальовниче простір тривимірності об'єкта. Від використання фабричних фарб Ів Клайн приходить до поверхонь, покритим чистим пігментом, з монограмою IKB (формула міжнародного синього кольору Кляйна (International Klein Blue, IKB), поєднуючи ремесло з концептуальними і схожими на перформанс діями. Його губки - це пряма вказівка на те, що він пропонує глядачеві. Художник пояснював: "вони з'являються на блакитному тлі, готові ввібрати все, стовно губки". Вперше, в 1957 році, Ів Кляйн представив кімнату синіх монохромов, де виставив одинадцять синіх картин ідентичного формату (78 x 56 см) в галереї в Міл ане. Роботи висіли на кронштейнах на відстані 20 см від стіни. Три основні кольори з якими працював Ів Кляйн: синій, рожевий і золотий (monogold).
Художники: Ів Кляйн (Yves Klein). Лючіо Фонтана (Lucio Fontana). П'єро Мандзоні (Piero Manzoni). Енріко Кастеллани (Enrico Castellani), Агостіно Боналумі (Agostino Bonalumi), Франческо Ло Савіо (Francesco Lo Savio). Луїз Невельсон (Louise Berliawsky Nevelson). Отто Піене (Otto Piene). Сальваторе Скарпітта (Salvatore Scarpitta). Гюнтер Юккер (Gunther Uecker).
Виставка: 1960 Леверкюзен, Замок Морісбройх "Чорно-білий живопис"
Тексти: П.Рестані "Ів: Монохромні висловлювання", 1956; У.Култерманн "Нова концепція живопису", 1960.
Опис деяких творів:
Енріко Кастеллани "Біла поврхность", 1959. Полотно, олія. Приватні збори. До 1959 року художник виробив особливу модульну систему своїх монохромних композицій, завжди тільки чорних або білих. У перший раз він виставив з 1960 року в галереї "Азимут". Вона була відкрита Мандзоні в 1959 році. Виставкова діяльність супроводжувалася виданням журналу "Azimuth", Кастеллани входив в його редакції разом з Аньетті і Мандзоні. Поверхня полотна здається рухомий, завдяки прихованому під нею каркасу з вбитих на рівній відстані в спеціальний підрамник цвяхів. В результаті виникає об'ємна текстура чергуються западин і опуклостей. Монохромне простір набуває упорядкований ритм і динаміку, особливо виразну в ковзних променях світла. В середині 60-х років Кастеллани розширює свої пошуки, переносячи їх в просторову середу. Простір його абстрактних і білих кімнат прагне "звести нанівець їх фізичні властивості".
П'єро Мандзоні "Ахроматізм", 1957-1958. Каолін, укладене складками полотно. Нью-Йорк, Музей Соломона Р.Гуггенхайма. Спочатку Мандзоні був близький до атомному мистецтву. У 1957 році, повний вражень від відвідування міланської виставки Іва Кляйна в галереї "Аполлінер", він приходить до власного варіанту монохромности: ахроматізму, нейтральному кольором, відсутності кольору. У 1960 році він писав: "Натякати, висловлювати, представляти - тепер ці проблеми несуттєві". "Чому б не спустошити цей контейнер, що не звільнити цю поверхню? Чому б не спробувати знайти безмежний сенс цього простору абсолютного і чистого кольору?" Художник працював з каоліну (найтоншої глиною, з якої зазвичай роблять фарфор). Він просочував їм шматки тканини і закріплював їх на полотні, де вони висихали, утворюючи складки. З 1960 року він використовував натуральні і штучні волокна, камені і форми для хліба. Його ахроматические композиції, поступово переставали бути нафта і наближалися до об'єктів. Ця еволюція відбувалася паралельно з пошуками концептуалістів.